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De la gran expansión a las crisis: el peso de la cultura en la democracia española, a debate

21 viernes Nov 2025

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El Cercle de Cultura de Barcelona reunió el pasado 20 de octubre a algunas figuras de referencia para dar su punto de vista sobre el papel de la cultura en las últimas cinco décadas. Lo cuento en una crónica publicada en el Cultura/s de La Vanguardia dentro del monográfico que con motivo de los cincuenta años del inicio de la Transición ha dedicado al binomio cultura y democracia.

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Explorar el papel de la cultura en la consolidación de la democracia en España era el objetivo de la mesa redonda que se celebró el pasado 21 de octubre en el barcelonés Cercle de Cultura. Moderaba el acto el periodista cultural, escritor y coordinador de este suplemento Sergio Vila-Sanjuán, quien recientemente publicó Cultura española en democracia (Destino), un breve ensayo en el que defiende la sustantiva aportación de la cultura a la democracia en España y explora las relaciones entre ambos ámbitos cuando se cumplen cincuenta años del inicio de la Transición.

Para ahondar en el binomio y ver cuáles son los retos tecnológicos, económicos, sociales y políticos que hoy encara, participaban en el diálogo destacados actores culturales del país. Jesús Badenes, director general de la División Editorial del Grupo Planeta; Ainhoa Grandes, presidenta de la Fundación Macba, y Laura Cendrós, presidenta de la Fundación Amics del MNAC, respondieron, por este orden, a las cuatro preguntas que Vila-Sanjuán les formuló y cuya síntesis recogemos más abajo: cuáles han sido las principales tendencias a lo largo de estos cincuenta años en los respectivos ámbitos culturales; qué autores destacarían; cuál ha sido el papel de España en el contexto internacional y en qué se podría mejorar. No pudo acudir al encuentro por problemas de última hora Daniel Martínez de Obregón, presidente del Grupo Focus, quien ha contestado posteriormente a este diario.

JESÚS BADENES
La revolución de los lectores
El editor arrancó su intervención ofreciendo un dato: en el año 2000, el índice de lectura entre los españoles era del 39,6 %, mientras que actualmente alcanza el 70 %. “Es el índice de lectura más alto que hemos tenido en este país”. Y aunque “ha sido mérito de todos”, si miramos al sector editorial vemos que en una primera etapa el crecimiento se explica fundamentalmente a través de “un cambio en las líneas o contenidos editoriales” que, tras la muerte de Franco, alimentan la incipiente democracia, mientras que ya en los 2000 “es la revolución en los canales de venta la que ha permitido avanzar al libro en la sociedad”. Y así, durante los primeros veinticinco años, “el ensayo y la no ficción experimentan un gran crecimiento”, como también lo hace “la literatura catalana, favorecida por fenómenos como la celebración de Sant Jordi”, pero “también crece y cambia de temas la novela”.

La revolución en los canales de venta que caracteriza la segunda etapa comentada “no la ha protagonizado el libro electrónico o el audiolibro”, tal como se vaticinaba en el cambio de milenio, “sino el comercio electrónico, que hoy supone un 23 % de los libros que se venden en España”. A su lado, la suma del libro electrónico y el audiolibro solo aportan el 7 % de los ingresos del sector. “El otro 93 % corresponde a libros impresos”. De los que, si un 23 % se adquiere a través del comercio electrónico, “el otro 70 % son libros comprados en librerías tradicionales”. De ahí que la apertura de librerías sea otro de los fenómenos de estos últimos años.

La última revolución no la ha protagonizado el libro electrónico, sino el comercio electrónico, que hoy supone un 23 % de los libros que se venden
JESÚS BADENES

Aumentar el número de lectores pasaba por extender el hábito de la lectura a todas las capas sociales, es decir, por popularizar la lectura, y eso el fundador de Planeta, José Manuel Lara Hernández, lo tuvo claro cuando creó el Premio Planeta, “una operación que ha permitido que entrara el libro en muchos hogares españoles”, señalaba el editor. Badenes destacó también a algunos autores de la casa que han tenido un impacto cultural y económico muy importante, como Carlos Ruiz Zafón, cuyo libro La sombra del viento , con cerca de cuarenta millones de ejemplares vendidos, ha sido uno de los mayores éxitos de la literatura española en todo el mundo. No obstante, el editor caracterizó el mercado español como “más comprador que vendedor de títulos”, aunque en los últimos tiempos las ventas están aumentando. Alrededor del 30 % de los títulos que se publican en España son traducciones. “Nos interesan las miradas de fuera”, dijo.

En sus conclusiones, Badenes volvió a referirse al “hito” del 70 % del índice de lectura, con una particularidad a destacar: “todas las franjas de edad han accedido a la lectura” y, concretamente, la franja entre los 14 y los 24 años, que ha alcanzado índices de lectura por encima de la media, especialmente entre las lectoras, lo que para el editor no solo es una excelente noticia sino “una cantera muy importante de lectores para el futuro”.

AINHOA GRANDES
El impulso de las galerías y de los nuevos museos
“Todo lo que ha pasado en el mundo del arte contemporáneo a lo largo de este periodo va muy en paralelo a los movimiento sociales e históricos que hemos vivido”, afirmaba la presidenta de la Fundación Macba. En este sentido, es significativo constatar como cuando fuera de nuestras fronteras se estaba produciendo una auténtica revolución cultural con expresiones tan notorias como el Mayo del 68 y España era todavía un país muy cerrado, una dictadura, “el mundo de la cultura era el único en el que se podía respirar un poco”. Era un momento en que las galerías de arte constituían “auténticos espacios de libertad” –un papel que seguirían jugando durante toda la transición–, y en el que “artistas como Tàpies, Chillida o Millares, que ya estaban reconocidos internacionalmente, eran símbolo de una España culta, moderna y europea” que latía, en este caso, bajo los adoquines del régimen.

Tras el impulso contracultural de los setenta, a lo largo de la década de los ochenta se consolida “la estructura del sistema de arte que conocemos hoy en día”. Un momento clave en ese contexto es el nacimiento de la feria Arco en 1982, “que conecta el arte español con el internacional, especialmente con el latinoamericano”. También a finales de esa década se inauguran los grandes museos de arte contemporáneo del país: el Mncars, el Macba o el IVAM. Y es que “el arte se convierte, literalmente, en la carta de presentación de la España democrática”. La referencia ineludible en la década siguiente es la inauguración del Guggenheim de Bilbao en 1997, que supone todo “un cambio de paradigma: el museo pasa de ser un contenedor cultural a erigirse en motor económico y urbanístico en las ciudades”, lo que impulsará a muchas de ellas a reivindicar una institución cultural que desempeñe esa función.

Con la feria Arco y los nuevos museos, en la década de los ochenta se consolida la estructura del sistema de arte que conocemos hoy en día
AINHOA GRANDES

Todo esto cambiará radicalmente con la crisis económica mundial del 2007. El modelo artístico que ha crecido de forma “explosiva” desde los ochenta es “puesto en cuestión”. Las instituciones públicas se dan cuenta de que “ya no pueden depender al 100 % de la Administración” y surgen “nuevos modelos de financiación”. A través de fundaciones como la que ella misma preside, “la sociedad civil se involucra en la financiación”. Grandes concluye haciendo un balance positivo de estos cincuenta años, aunque reconoce que la creciente desigualdad económica tiene su reflejo en el mundo del arte, que ofrece realidades muy dispares.

Critica no obstante cuatro aspectos que señalan otras tantas sendas de mejora. “Hay una falta de continuidad en las políticas culturales”, demasiado dependientes de los cambios de gobierno. “Los artistas trabajan con mucha precariedad y pocas ayudas a la producción y a la internacionalización”. Cree también que hay un amplio margen de mejora en lo que respecta a “la presencia del arte en el ámbito educativo y en los medios de comunicación”. Por último, considera que ha habido poca colaboración entre los distintos agentes dentro del sistema del arte. “Ganaríamos mucho si trabajáramos más alineados”.

LAURA CENDRÓS
El papel de la sociedad civil catalana
Uno de los elementos históricamente distintivos de la cultura catalana y al que la presidenta de la Fundación Amics del MNAC dedicó buena parte de su intervención es la importancia del asociacionismo y el impulso de la sociedad civil. “Catalunya ha destacado siempre por su asociacionismo, lo que hizo que la sociedad civil fuera motor y financiadora de las iniciativas culturales”. En Catalunya, insistió, la sociedad civil “fue la columna vertebral de la transición”.

Afirmaciones tras las que desgranó un rosario de iniciativas que se dejaron ver en todos los ámbitos de la cultura, empezando por la Fundació Miró, creada por el propio artista y algunos de sus amigos y que abierta en el verano de 1975 parecía anunciar un cambio de época. Pero “tampoco la Fundación Antoni Tàpies o el Macba se habrían podido materializar sin el impulso ni las donaciones de obra de la sociedad civil”.

Destacó también Cendrós la creación del Teatre Lliure en el barrio de Gràcia en el año 76, un impulso cívico que está tras toda clase de iniciativas, como la Escola Eina, que “se convirtió en un centro de reflexión imprescindible durante aquellos años”. Pero también el diario Avui “es un ejemplo claro de cómo la sociedad civil ayuda a hacer realidad el primer diario en catalán de la democracia”. En el ámbito asociativo, la gestora destacó el papel de Òmnium Cultural, “que pone la literatura y la cultura catalana en el lugar que les corresponde, gracias a iniciativas como la Nit de Santa Llúcia, el Premi Sant Jordi i el Premi d’Honor”.

DANIEL MARTÍNEZ
Una historia de éxito
Para el presidente del Grupo Focus, la democracia y la cultura desarrollan algo así como un círculo virtuoso: “si la democracia es el motor y el ámbito imprescindible para el desarrollo correcto no solo del teatro sino de la actividad cultural en general, el teatro y la cultura son claves para el desarrollo de la democracia, pues le proporcionan el soporte y los signos de identidad”. Un círculo virtuoso del que el teatro catalán constituiría un ejemplo rotundo. “La democracia ha sido para el teatro español, y para el catalán en particular, una historia de éxito”.

La actividad teatral ha registrado un “crecimiento permanente” a lo largo de estos cincuenta años, pasando en Barcelona de los 900.000 espectadores y 22 salas de la temporada 92/93 (primera en la que hay registros), a los más de tres millones y 62 salas de la temporada 23/24. Distingue Daniel Martínez entre el teatro español y el catalán, “lo que es decir el de Madrid y el de Barcelona”, pues tienen “características y trayectorias distintas”. Y es que al inicio del periodo “en Barcelona venimos de una época de resistencia”. Antes de la Transición, “las compañías y grupos teatrales ya llevaban años luchando en pro tanto del teatro como de la democracia”. Con su restablecimiento, “lo primero que hace el teatro catalán, en paralelo a lo que está haciendo el propio país, es organizarse, poner los mimbres del sistema”. Se crean así organismos teatrales y culturales como la ADETCA, el ICIC o el ICUB; un sistema que, “en el caso catalán, tiene una característica propia, y es la estrecha colaboración entre los ámbitos público y privado”. Con un objetivo: “que la cultura llegue a todos los ciudadanos”.

Más que de autores, Daniel Martínez prefiere hablar “de autoría en su conjunto”, un fenómeno donde de nuevo cree que Cataluña no tiene parangón por la gran cantidad de autores y producciones propias que llenan sus salas. “Las salas más importantes, públicas y privadas, programan hoy espectáculos que llevan la firma de autores y producciones catalanas”. El empresario destaca en este logro la “escuela” de Benet i Jornet y de la Sala Becket, y nombres como los de Belbel, Cunillé, Spunzberg, Buchaca… “¡me dejo a muchos!”, confiesa.

Y es que si atendemos a “los formatos, la calidad y la modernidad, diría que estamos igualados a las artes escénicas europeas”. Pese a ello, el teatro español desempeña un papel “muy pequeño” en el contexto internacional, reconoce, pues uno de sus grandes déficits es la falta de proyección exterior. “Los autores sí salen, pero con los espectáculos es más difícil, está el problema del idioma”.

Y en efecto, “autores como Carme Portaceli, Lluís Pascual, Àlex Rigola o Calixto Bieito, sí trabajan fuera” pero, para trascender las singularidades, “faltaría una colaboración estable entre instituciones”. Así es que cuando se le pregunta acerca de las posibles líneas de mejora, la primera que menciona es, claro, “la proyección internacional”, a lo que añade, reconociendo no tener la fórmula para ello, “mejorar la relación de las artes escénicas con el turismo”.

O, dicho de otro modo, cómo lograr que la gran afluencia de turistas se traduzca también en público para el teatro.

El hilo rojo, la diosa blanca

21 martes Oct 2025

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Este artículo lo escribí a propósito de la exposición Deshilar el eco de Ariadna de la artista, poeta y amiga Carmen Hurtado en la galería H20. Se publicó en la revista del colectivo Mujeres en las Artes Visuales. Para mí, escribir sobre arte siempre ha sido una invitación al desarrollo de mi propia creatividad a través de una mirada atenta y abierta a todos los sentidos, también al de la imaginación.

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Septiembre. El cielo nublado, el aire fresco, la tarde amable. Ando por uno de los tramos altos de la calle Verdi flanqueado de pequeñas casas modernistas con jardín trasero. Una de ellas alberga la galería H2O, donde me espera Carmen Hurtado, que está acabando de montar la exposición “Deshilar el eco de Ariadna”, en la que reúne una selección de su obra de los últimos quince años y algunos trabajos nuevos.

Me abre sonriente, como de costumbre. En el vestíbulo está Mario, su pareja, que le está ayudando a montar la exposición y está agachado colocando un cuadro de pequeño tamaño bajo el título de la exposición y el nombre de la artista impresos en la pared. Es el cuadro que ilustra el cartel de la muestra, donde la propia artista transmutada en Ariadna tiene la cara oculta tras un velo o una mancha oscura, porque quizá su protagonismo en el mito sea más aparente que real. “El acento está siempre puesto en el hilo que muestra el camino al héroe y en el minotauro. Pero ¿qué sabemos de Ariadna?”, dice Carmen. Y esto es lo que pretende esta exposición: mostrarnos a Ariadna esta vez, revisitar el mito. Es ella la que se interna en el laberinto en esta ocasión.

Del arco del vestíbulo que se abre a la estancia principal de la galería, cuelgan unas cintas hasta media altura que hacen pensar en las cortinas de los establecimientos japoneses. Son de algodón blanco, anchas, con frases bordadas en hilo rojo. “Son cintas umbilicales —me espeta Carmen Hurtado, jubilosa, desde detrás—. Una de ellas es la mía”. Son las cintas con las que se envolvía la cintura del bebé tras cortarle el cordón umbilical. “El acto de coser es el intento de mantener unido lo que se ha roto” leo en una de ellas que dice Louise Bourgeois. “Venimos al mundo sujetos a nuestra madre, y esa es la primera separación”, añade la artista. “Toda nuestra vida es un constante hilar y deshilar”. Hilos. Coser y descoser. Unir y separar. Hacer y deshacer. Una acción y su contraria. Una tensión que para Carmen Hurtado está en el núcleo de la búsqueda de la libertad. La libertad: he ahí el otro polo de la muestra, su punto de partida.

“Yo quería hablar sobre la libertad y su búsqueda, que ha sido un tema recurrente en mi trabajo desde hace quince años. Entonces empecé a seleccionar obras que tuvieran que ver con ello y me di cuenta de que Ariadna podía ser mi alter ego”. En efecto, la presencia del hilo y del laberinto es una constante en el conjunto de la obra que aquí se expone, y remite a una libertad que tiene que conquistarse y que es una permanente tensión entre el libre albedrío y todo aquello que nos condiciona, pues “nacemos en un cuerpo, en un género, en una familia, en un país…” O, tal como lo expresaría el filósofo Joan-Carles Mèlich, heredamos un guion, llegamos al mundo en mitad de una narración que había empezado mucho antes de llegar nosotros.

Del cuerpo a la metamorfosis

La muestra está organizada en cuatro ámbitos temáticos. El primero lleva por título “Cuerpo y deriva”, porque, lo hemos dicho, nacemos de un cuerpo y en un cuerpo. El cuerpo es nuestro primer límite y nuestro propio laberinto. Así lo afirma otra cita, esta vez de Borges, bordada en otra de esas cintas umbilicales: “Todos tenemos un laberinto en nuestro interior”. Y, no obstante, no hay libertad sin límites. Algo así leemos también en una de las frases cosidas esta vez en uno de los ensamblajes de Carmen Hurtado, un término que la artista prefiere al de collage. Pero más allá del texto, la idea de libertad y su permanente tensión con los límites se expresa en varias de estas obras a través de las formas geométricas que contienen el ensamblaje, que constituyen su perímetro dentro del interior del cuadro; unas formas geométricas que remiten al plano de una casa y que, significativamente, en los trabajos más recientes han desaparecido. La casa: otro de los lugares que nos contienen, a la vez espacio de libertad y de constricción. Por eso resulta muy orgánico y lleno de sentido que la exposición ocupe el espacio completo de la casa que es la galería.

El segundo ámbito es “El rostro del minotauro” y está consagrado al laberinto. Y si el laberinto está en nuestro interior y es a la vez el camino de una vida, el minotauro no es otro que “el miedo al autoconocimiento” que, sin embargo, es el único que nos puede proporcionar una libertad genuina. El tercer ámbito de la muestra lleva por título “Hilo labris” y gira en torno a las herramientas que tenemos para “desenredar” nuestra vida, para cortar; un corte que siempre es “un final de algo y un principio de otra cosa”. Por último, el cuarto ámbito está consagrado a “la metamorfosis”, porque acaso la vida sea un constante mudar y mudarse, de piel, de ropa, de lugar… y la salida del laberinto no sea otra que esa metamorfosis.

Palabra e imagen

Se trata pues de un recorrido expositivo en el que no hay héroes, ni centro, ni salida, y donde la protagonista es esta vez Ariadna, que deshila el relato, cuestiona al héroe y rompe la lógica del camino. No hay destino. Y es que quizá, como dice la artista, “la libertad no está en la salida, sino en el viaje errante de la escucha”.

Carmen Hurtado es artista visual y poeta y su obra entrelaza palabra e imagen en una tensión permanente con lo simbólico. En su trabajo hay un diálogo fluido entre ambos lenguajes. La semilla conceptual de muchas de sus obras está a menudo en sus poemas o “diarios oníricos”, pero también la palabra poética es a menudo la receptora de visiones o intuiciones que proceden de su trabajo artístico. El resultado es una práctica interdisciplinar que atraviesa la pintura, el dibujo, la fotografía, la escultura, el bordado y el ensamblaje. Sus proyectos abordan cuestiones sobre el cuerpo, el territorio, la libertad, la maternidad, el tiempo, el deseo o el duelo.

La muestra, que reúne una selección de obras de los últimos quince años, incluye parte de su producción más reciente, además de la pieza de videoarte Libertatis que formó parte de la exposición dedicada a Agnès Varda que acogió el CCCB el pasado año. Junto a los ensamblajes, pinturas y grabados con técnica mixta, encontramos también algunas esculturas de pequeño formato, que sorprenden al visitante en algunos rincones de la galería.

El hilo rojo de Ariadna

Las cintas umbilicales de las que hablábamos más arriba están bordadas con un hilo rojo brillante que remite a la vida y al dolor, porque en ningún momento se nos oculta aquí que la vida también comporta esa contraparte. “La libertad no consiste en ser libre del dolor, sino en ser libre de actuar” nos recuerda Carmen Hurtado con Hanna Arendt desde otra de las cintas. Se trata de un hilo que, como el torrente de nuestra vida, como una sutil ramificación capilar, recorre la exposición. Y así, el hilo de Ariadna que esta vez es rojo lo encontramos en muchos de sus ensamblajes y reaparece en forma de mancha en algunas de las obras más recientes; unas obras en las que la artista desbordó ya los límites de la casa o el perímetro que contenía sus anteriores intervenciones y se hicieron cuerpo, forma orgánica, regresaron a la naturaleza original. El hilo rojo, por fin, está también bordado en la túnica que se expone entre las plantas del jardín de la galería y que la artista, sacerdotisa o diosa blanca, se pone cada tarde en un rito que marca el devenir cotidiano y también un cierre y un regreso al interior, mientras toma el ovillo y va recogiendo el hilo.

De este modo, el hilo carmesí dota en efecto de unidad al conjunto expositivo e invoca a la artista-Ariadna y su decidido internamiento en el laberinto para apresar al minotauro, mientras esas cintas umbilicales y esa túnica o manto nos hablan de lo que nos cubre y lo que nos une para no quedar definitivamente a la intemperie (que es también o ante todo soledad), y de todas esas capas o pieles que sucesivamente nos ponemos y de las que nos desprendemos en el “viaje errante de la escucha” que es la vida y la exploración del laberinto en busca del autoconocimiento y de la verdadera libertad interior.

Esa sucesión de capas y pieles está, claro, en sus obras de técnica mixta y en sus ensamblajes, quizá la técnica más representativa de Carmen Hurtado y una de sus preferidas. Unos ensamblajes donde se dan cita el dibujo, la pintura y el grabado y donde la palabra aparece bordada y dibujada. Ella cuenta que le gusta el ensamblaje por lo que tiene de juego y por su riqueza. “Como los sueños, estas obras tienen muchas capas”. Y como los sueños, estas obras no son lineales y están abiertas a la participación de quien las contempla. Muestran además la esencia del modo de trabajo de la artista, que se deja llevar en su trabajo por la intuición y la asociación libre como parte fundamental del proceso.

Biografía

Esa búsqueda y esa reflexión en torno a la libertad propia en la que se ha embarcado, así como la apropiación y relectura del mito en las que invita al espectador a participar están atravesadas por su propia biografía. El trabajo artístico de Carmen Hurtado siempre se nutre de materiales procedentes de su vida, con frecuencia en un sentido literal, a menudo son piezas de ropa. Además de esas cintas umbilicales de las que hablábamos antes, la capa bordada con la que ejecuta una breve performance cada tarde es otro vestigio familiar: un vestido de una de sus tías.

Aunque lleva más de veinte años residiendo en Barcelona y ha viajado por todos los continentes, Carmen Hurtado nació y se crió en un pueblo de Extremadura. Allí están la casa familiar, la antigua farmacia que regentaban, tierras, hermanos y muchos, muchos objetos, ropa de su madre y de sus tías, historias, conflictos… Ese guion del que hablábamos más arriba y que la artista incorpora siempre en su trabajo de un modo u otro; de varios modos, en verdad. Y así, por ejemplo, en Carmen Hurtado, el bordado no es moda o impostura. Su madre cosía, y ella creció en una suerte de gineceo en el que su madre y sus amigas se reunían todas las tardes con labor de costura. “Lo de menos era lo que cosían, lo de más era reunirse. Así tejían sus redes”.

Poesía

La narrativa es lineal, pero la poesía, con su ambigüedad, su cubrir y descubrir conceptos e ideas, es para Carmen Hurtado enigma, “la maga de las artes”, de ahí el vínculo con su obra artística, con la que está en permanente diálogo. “Puede ser el detonante de la obra visual y viceversa”. Y es que, añade, “en la sociedad en la que vivimos se tiende a la linealidad, a darlo todo muy digerido, y la poesía propone una apertura”. Por eso, Carmen Hurtado reclama un lugar para la poesía dentro del arte, y dentro del arte sonoro en particular.

Históricamente, la poesía ha sido una de las grandes artes. “En Grecia los poetas eran considerados artistas. ¡Eran los artistas por antonomasia! ¿Por qué hoy están fuera de todos los circuitos?”, exclama. Y abunda: “creo que a veces hay intervenciones que se consideran ‘arte sonoro’ simplemente porque quien las lleva a cabo es un artista que, como tal, les pone el marchamo de arte, mientras dejamos fuera la voz poética. Yo reclamo un lugar para la poesía dentro del arte sonoro”. Por eso, en el marco de esta exposición, se incluyen dos intervenciones sonoras a cargo de poetas invitados por Carmen Hurtado a recitar poemas en torno a la temática de la muestra.

Se trata de una acción que, como la que ella misma lleva a cabo cada tarde mientras esté abierta la exposición, tiene también como objetivo contravenir la práctica convencional de reducir las exposiciones a “inauguración y exhibición”, al tiempo que pretende abrirla al público y a otros artistas, promoviendo la interacción y el espacio comunitario, que es el espacio propio del momento expositivo, frente al momento de la creación, que suele ser de soledad y trabajo individual. Es el momento de las otras voces, de los ecos, de ese eco que está en el título. Y es que Carmen Hurtado, casi instalada en la galería durante los días en los que la muestra permanece abierta, quiere ver cómo resuena su trabajo entre el público que la visite. En su deshilar o cuestionar el mito de Ariadna, espera percibir el eco de las lecturas de los visitantes. Confiando en que aquella Ariadna que ofreció el hilo al héroe y fue luego objeto de su abandono en la playa de Naxos, se convierta aquí y ahora en sujeto activo, filosófico, en artista, buscadora, errante, valiente… Sujeto que desde Naxos, Barcelona o cualquier otra orilla, más que esperar, interpele a Dionisos, que no en vano es el dios de la fecundidad y de la alegría.

Vindicación de Pandora

07 sábado Dic 2024

Posted by in Arte, Cultura, Filosofía, Libros

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¿Qué sería del pensamiento occidental si Penélope, Demeter o Diotima tomaran la palabra? ¿Y si la narrativa histórica pusiera el foco en Agripina, Safo, Artemisa y todas aquellas cuyo nombre no trascendió pero que de una forma u otra marcaron el curso de la historia?

A lo largo de este año, distintos libros han vuelto la mirada a la Grecia antigua para redescubrir el lugar que ocuparon las mujeres en el pensamiento, el arte y la historia. Unos exploran la construcción del orden simbólico patriarcal y otros imaginan alternativas, otros más se interesan por la creación y la transmisión de los mitos, contribuyen a sacar del anonimato el trabajo de algunas artistas de la antigüedad o apartan las figuras masculinas del centro de la escena y ponen el foco en las femeninas para saber qué nos cuentan ellas de la historia del mundo antiguo. En este artículo para el Cultura/s de La Vanguardia repaso algunos de estos libros.

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Si vivimos en una cultura patriarcal y, tal como expresó un Percy B. Shelley arrebatado, todos somos griegos, quizá no debería sorprendernos encontrar allí los fundamentos de esa razón androcéntrica. Esto es lo que propone La lágrima de Jantipa, un ensayo en el que el profesor y ensayista Manel García Sánchez (Barcelona, 1967) se acerca a la obra de los pensadores de la Grecia Antigua para ver cómo estos autores se relacionaron con la feminidad y cómo construyeron un orden simbólico en el que, reelaborado una y mil veces, aún andamos inmersos; por mucho que ya se le hayan roto las costuras y haga tiempo que aquí y allá emergen modelos alternativos. A la misma fuente acude la filósofa y pensadora feminista italiana Adriana Cavarero (Bra, 1947), de la que muy oportunamente se reedita el ya clásico A pesar de Platón, pero con una intención distinta: liberar a las mujeres de su condición de objeto del pensamiento masculino para que puedan construirse como sujetos desde su propia subjetividad.  Por su parte, en La venganza de pandora, la escritora y clasicista británica Daisy Dunn (Londres, 1987) aparta las poderosas y desmesuradas figuras masculinas del centro de la escena para poner el foco en las femeninas y así contar la historia del mundo antiguo a través de las mujeres. Por último, La Jarra de Pandora, de la escritora y especialista en mundo clásico Natalie Haynes (Birmingham, 1974), indaga en la construcción y la transmisión de los mitos griegos desde la perspectiva de las mujeres. Esta revisión de la cultura clásica se completa con el trabajo de los historiadores Marta Carrasco Ferrer y Miguel Ángel Elvira Barba, cuyo libro Mujeres Artistas de la Antigua Grecia contribuye a sacar del anonimato el trabajo de algunas de aquellas artistas.

Para desarrollar su tesis, el ensayo de García Sánchez transita por los distintos espacios, reales y simbólicos, de la sociedad helena: la ciudad y el campo, el ágora, el mercado, la academia, el teatro y el mito. Y es que la voluntad del autor es realizar un análisis de lo que en términos contemporáneos llamaríamos las “tecnologías del género”, es decir, los discursos, los espacios y los contextos que, en la Grecia Antigua, conducirían a una niña a convertirse en una “verdadera mujer” según los estándares de la masculinidad hegemónica. Se trata, además, de una aproximación de carácter cultural, que considera tan forjadores de pensamiento los tratados filosóficos como los mitos y los poemas. El autor no pretende juzgar sino comprender, por lo que rehúye aquellas aproximaciones que, desde un feminismo de la diferencia, destierran a autores, pero también la ingenuidad de hacer de los relatos de libertad individual o emancipación personal que encarnan figuras como las de Aspasia, Hipatia, Safo o Antígona, vanguardia de un movimiento protofeminista que nunca existió.

Y es que, a pesar de la admisión de mujeres en la secta pitagórica o en el jardín de Epicuro, de la abolición de la familia y la propiedad privada en la República de Platón o del discurso “contracultural” de los cínicos, lo cierto es que de la épica homérica a la filosofía aristotélica, la generalidad de los discursos y los relatos fueron cimentando una moral androcéntrica, frecuentemente misógina, y asimétrica desde el punto de vista social y sexual. Este estado de cosas es justamente el punto de partida del gesto iconoclasta o subversivo de Adriana Cavarero, que decide sustraer algunas figuras femeninas de la Antigüedad de los discursos originales que las atrapan y dotarlas de una vida autónoma. Pues, ¿qué sería del pensamiento occidental si mujeres como Penélope, Demeter, Diotima o la memorable sirvienta tracia tomaran la palabra? ¿Cómo alteraría esa posibilidad nuestras nociones acerca del cuerpo, la sexualidad, la identidad o el poder? Más aún: ¿de qué modo esa hipótesis desvelaría el “matricidio simbólico original” en el que hunde sus raíces la filosofía occidental que, desde Platón, girará en torno a la muerte (y no el nacimiento) como espacio de sentido?

La historia de la Antigüedad es un relato de guerreros, conquistadores y reyes. Para intentar revertir esa tendencia, Daisy Dunn podría hilvanar una colección de capítulos sobre Cleopatra, Agripina o Safo seguidas de otras tantas artistas, escritoras y líderes. Sin embargo, reconoce la autora, “el resultado estaría muy lejos de ser una historia completa”, pues la trascendencia de las contribuciones femeninas al mundo antiguo va más allá de las aportaciones de algunas mujeres extraordinarias. Hacer visible la participación femenina en la construcción del mundo clásico es el reto que asume Dunn en su libro. Un reto que abarca tres mil años, desde la Creta minoica hasta la Grecia micénica, desde Lesbos hasta el Asia Menor, desde el Imperio Persa hasta la corte real de Macedonia y concluyendo en el imperio romano. Natalie Haynes ofrece por su parte un nuevo contrapunto al relato hegemónico, atendiendo en su caso a la mitología clásica. Siempre armada de humor, la escritora se sumerge en los principales personajes femeninos de la mitología griega para desentrañar su génesis y su transmisión y ampliar la interpretación más comúnmente extendida, incluyendo epígonos y versiones contemporáneas, de Margaret Atwood a Carol Ann Duffy. No para desmentir el sesgo patriarcal de la mitología griega, sino para señalar que la realidad o la verdad de las cosas suele ser mucho menos monocorde y más compleja.

Creadoras ocultas entre diosas y heroínas

Aunque el estudio de la creatividad artística femenina está recibiendo una atención creciente, pocos investigadores se han ocupado del pasado más remoto. Justamente, el libro de Carrasco y Elvira alumbra el periodo de la Grecia mítica e histórica para salvar del olvido a mujeres que dejaron su huella en las artes. De la mano de historiadores como Plinio el Viejo, los autores dan a conocer la identidad de algunas artistas continuadoras de la labor de Penélope, una de las primeras tejedoras, recuperando a pintoras como Timarete, Irene, Calipso, Aristarete, Laia y Olimpias.

A reveure!

10 lunes Ene 2022

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Quatre anys i seixanta-tres programes més tard Territori Contemporani, un programa que ha recorregut diversitat de terres i paisatges per donar a conèixer les plataformes de difusió de l’art i el pensament contemporanis a comarques, s’acomiada. Ho fa entrevistant Sergi Aguilar, un referent de l’escultura contemporània al nostre país, i acostant-se a Vinseum, el museu de les cultures del vi. I amb aquest brindis final, recordem espais però, sobretot, recordem els artistes que ens han acompanyat al llarg d’aquest periple, tot convidant l’audiència a encetar el seu propi viatge a través l’art contemporani. Per a aquesta guionista, ha estat un plaer i un aprenentatge, a quatre mans amb el meu amic i coguionista Frederic Montornés i amb tota la colla del programa. Us deixo aquí sota aquest últim capítol. Fins la propera!

Francesc Abad a Territori Contemporani

08 lunes Nov 2021

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Territori Contemporani, el programa de televisió que recorre el territori català per fer visibles les plataformes de difusió de l’art i el pensament contemporanisi, torna des d’ahir a emetre’s els diumenges a les 22.15 h!

Al capítol 55 visitem el Centre de Documentació i Museu Tèxtil de Terrassa i parlem amb Francesc Abad, una de les figures més reconegudes del conceptualisme català i que afirma que «l’estètica no pot estar separada de la història de la tecnologia, ni l’economia de la poesia»

Torna Territori Contemporani

03 domingo Oct 2021

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Ahir a la nit, es va emetre el primer capítol de la nova temporada d’aquest programa que recorre el territori català donant visibilitat a les plataforme de difusió de l’art i el pensament contemporanis i del qual sóc la guionista juntament amb Fede Montornés. Enguany s’emet els dissabtes a les 22.15 h, però també el podeu veure online a http://www.alacarta.cat/territori-contemporani.

Al capítol 51 ens acostem a un material que té una vessant funcional i una d’artística: la ceràmica. Per fer-ho, visitem el Museu del Càntir d’Argentona i coneixem la Rosa Amorós, una creadora que és tot un testimoni de la vitalitat artística de la ceràmica.

Festivals de fotografia

24 martes Nov 2020

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En els últims anys la fotografia ha guanyat importància a les nostres vides. Tots duem un mòbil. Tots fem fotos. Ja l’assagista Susan Sontag, molt abans de l’ús massiu d’aquesta teconologia, deia que la necessitat de confirmar la realitat i d’eixamplar l’experiència ens havia conduït a tots a una mena de consumisme estètic. Aquesta és només una de les reflexions a les que s’obren els festivals de fotografia, un fenòmen creixent a Catalunya, del qual ens en fem ressó en aquest capítol de Territori Contemporani. Per parlar-ne, hem convocat als fotògrafs Jordi Guillumet i Mònica Roselló, a la també fotògrafa Mayte Vieta i a Pepe Font de Mora, director de la Fundació Foto Colectania.

Benvinguts a Territori Contemporani. Benvinguts als Festivals de Fotografia. Cliqueu a sota i endavant!

 

La poètica íntima i lúdica de Regina Giménez

19 jueves Nov 2020

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Al capítol 41 de Territori Contemporani descobrim el Museu d’Art Modern de Tarragona (MAMT), visitem el Palau de Casavells, un edifici històric del s. XIV que és la seu empordanesa de la Galeria Miquel Alzueta, i coneixem l’obra de Regina Giménez. A través de l’experimentació amb llenguatges i tècniques artístiques diferents, l’artista proposa una aproximació poètica i íntima a la nostra relació amb l’espai i el temps.

«Som natura»: Àngels Ribé a Territori Contemporani

09 lunes Nov 2020

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Al primer capítol de la nova temporada de Territori Contemporani, que es va poder veure anit a les televisions de La Xarxa, vam conèixer l’Àngels Ribé, un dels referents de les pràctiques contemporànies al nostre país i Premio Nacional de Artes Plásticas. Ribé, que entén l’art com una actitud oberta a l’aprenentatge i a l’expressió de la nostra creativitat, porta cinquanta anys reflexionant a travès de l’art entorn la nostra interacció amb la natura. «Som natura», diu.

Vam voler reprendre el progrma acostant-nos a Igualada, que ha passat temps particularment durs darrerament, a on vam conèixer el Museu de la Pell. I vam acomiadar el programa al Centre Muxart de Martorell amb una idea de la nostra artista convidada que llancem com a testimoni per a qui la vulgui recollir: «Crear et converteix en una persona sense por». Fins al proper diumenge!

Vuelve Territori Contemporani

07 sábado Nov 2020

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El domingo 8 de noviembre se estrena la segunda temporada de Territori Contemporani, programa del que soy guionista junto a Fede Montornés y que pretende dar a conocer las plataformas de difusión del arte y el pensamiento contemporáneo a lo largo y ancho de Cataluña. Porque hay vida, y muy interesante, fuera de Barcelona.

Será todos los domingos a las 22.05 en las televisiones de La Xarxa. ¿A que con la que está cayendo no se os ocurre nada mejor que hacer a partir de las diez de la noche? ¡Este año reventamos audiencias!

Por cierto que el programa ha sido nominado esta semana como finalista a los Premis de Comunicació Local 2020 que se fallarán el próximo 11 de noviembre. ¡Os seguiré contando!